Repatriates Collective. Tide of Returns

Inaugurando la temporada expositiva 2026 de Ocean Space, TBA21–Academy presenta Tide of Returns, del 28 de marzo al 11 de octubre; una exposición que parte de la investigación artística del Repatriates Collective, formado por artistas de la región norte del Pacífico australiano, África del Sur y del Oeste, Europa y América Latina.

La exposición surge de los pequeños rituales que conforman la sabiduría ecológica y el cuidado de los artistas. A través del diálogo con cosmovisiones indígenas y el poder configurador del agua, las obras exploran el potencial para superar formas de violencia cultural, social y medioambiental.

Las historias que se narran aquí están moldeadas por el lenguaje de la tierra, el océano y los cuerpos que las enuncian. Como experimentos sobre posibles relaciones entre los seres humanos y el océano, las obras cuentan historias comunitarias de familias, prácticas y ancestros. Mediante el uso de materiales arrastrados por el mar —desde redes hasta conchas—, estos artistas proponen nuevas formas de vivir y trabajar en el horizonte posterior al dominio colonial y las economías extractivas.

Las comunidades indígenas de Australia, Namibia y muchos otros lugares del mundo continúan reivindicando la devolución de sus objetos culturales. En mayo de 2022, tras años de reivindicaciones de comunidades namibias, el Museo Etnológico de Berlín restituyó veintitrés objetos. Saqueados en su mayor parte durante la era de la colonización alemana (1884–1919), este conjunto de piezas fue seleccionado por expertos namibios por su significación estética, cultural e histórica. Por esas mismas fechas, los Warnindilyakwa de Australia identificaron una amplia colección de Dadikwakwa-kwa —traducidas habitualmente como shell dolls— en poder del Manchester Museum. En respuesta a las reivindicaciones de la comunidad, el Manchester Museum restituyó 174 bienes del patrimonio cultural a los Warnindilyakwa en septiembre de 2023.

From My Mother's Country

Esta arena es la encarnación de nuestras madres.

En la primera sala, el Repatriates Collective recibe a los visitantes con una instalación inmersiva que combina distintos elementos: arena, miles de figuras elaboradas con conchas y tela, vídeo y sonido.

La instalación, que a primera vista aparece como una gran duna compuesta en parte por arena traída de las tierras de Noeleen Lalara en el Golfo de Carpentaria, allí donde la tierra y el agua se encuentran en el borde de un mundo en transformación. Aquí, la marea arrastra los residuos de la industria global: redes enredadas abandonadas por embarcaciones pesqueras que derivan a lo largo de la orilla. Inicialmente herramientas de sustento, estas ghost nets —redes fantasma— amenazan hoy la vida de tortugas, aves y peces. Dejan a su paso un rastro de destrucción que asfixia la línea de costa.

Mujeres como Lalara, que cuidan las dunas de sus madres con vistas a la vasta extensión del Pacífico, nos muestran la resiliencia de las comunidades y los modos en que cultivan los recursos que las sostienen.

No solo las antigüedades más célebres —como los Bronces de Benín, los mármoles o las pinturas al óleo— han sido seleccionadas para su repatriación desde instituciones culturales europeas. También lo fueron pequeñas muñecas hechas a mano, que no son meras esculturas sino recipientes sagrados de fertilidad, restituidas a los Warnindilyakwa en Australia y a Windhoek, Namibia.

La película, parte de la instalación y con la que comparte su título, comienza con la búsqueda de materiales y la preparación para el revestimiento de las Dadikwakwa-kwa (shell dolls). Las creadoras están profundamente concentradas en su proceso, del que la película da testimonio íntimo. No actúan para la cámara, sino que están absortas en la labor de adornar las conchas como parte de un conjunto más amplio de experiencias sociales. Visten a las muñecas de concha con telas namibias para enviarlas a su encuentro aquí, en Venecia. Antes de partir, los ancianos les dedican bendiciones.

El paisaje sonoro del espacio y de la película, junto con la topografía de las dunas, evoca la creencia aborigen de que el sonido transporta sabiduría a través del agua. Tótems, clanes y songlines están inscritos en el paisaje, y miles de figuras transforman la duna en un coro de mensajeros ancestrales. Juntos, tienden puentes entre comunidades de distintos continentes, reafirmando el conocimiento indígena y la resistencia.

Weaving Connections

Weaving Connections de Verena Melgarejo Weinandt forma parte del desarrollo a largo plazo de un conjunto de películas performativas e investigación que exploran cómo el imaginario cultural alemán ha representado y enmarcado a los pueblos indígenas en los medios de comunicación y la cultura dominante.

Con una mirada crítica sobre la formación histórica de estereotipos y fantasías acerca de los pueblos indígenas desde el período del colonialismo alemán, y su estrecha vinculación con la construcción de una identidad y una cultura nacionales alemanas, este conjunto de obras confronta las formas de violencia que de ello se derivan. Las identidades fabuladas entran en juego cuando los museos e instituciones recurren a vínculos históricos y emocionales para conectar al público alemán con lo que exhiben y custodian, mientras se niegan simultáneamente a abandonar las ideologías que les impiden devolver lo que no les pertenece.

La obra expresa la necesidad de un desplazamiento vital de perspectiva, no sólo sobre las formas de violencia, sino sobre cómo las actuamos y perpetuamos cuando nos desconectamos de otras formas de ser. Las instituciones replican separaciones, dicotomías y categorizaciones que nos fracturan a nosotros y al mundo más-que-humano. La artista sigue el camino del agua en su movimiento y transformación, creando un ciclo continuo en el que las aguas nunca están verdaderamente separadas sino en un estado de conexión perpetua.

Hilos en tonos azules entretejidos con trenzas negras evocan tanto el fluir del agua como el cabello. Las trenzas son un elemento recurrente en la trayectoria de la artista, que le permite explorar cómo emergen las identidades individuales y colectivas. El lavado de las trenzas refleja la capacidad del agua para forjar relaciones entre todos los seres vivos, así como su poder espiritual de transformar, purificar y recrear. Un acto colectivo de preparación, trenzado y lavado de las trenzas antes de ser tejidas en los textiles nos recuerda el cuidado y la presencia que requiere este acto de transformación. El vídeo de tres canales despliega tres momentos performativos en imágenes, creando un flujo constante de relaciones visuales cambiantes.

En última instancia, Weaving Connections es un gesto, un movimiento. Expresa variaciones infinitas de entrelazamientos que se desplazan en distintas formaciones a través del espacio, recordándonos que nunca existe una única manera de mostrar y narrar una historia de cambio y transformación, ni una sola perspectiva desde la que participar. La no linealidad de esta obra cuestiona nuestra definición del tiempo en la red de conexiones en la que existimos, apuntando más allá de una comprensión lineal del pasado, el presente y el futuro, y de las divisiones que se establecen entre ellos.